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La Compañía de Danza del Teatro Mayor estrenará sus dos nuevas obras

La Compañía de Danza del Teatro Mayor nació gracias al programa social Alma en Movimiento. cuenta con la dirección artista de la coreógrafa británica Sarah Stoter y está integrada por ocho bailarines y dos aprendices.El 1 de diciembre en el Teatro Mayor estrenará sus obras Lilith: el despertar, de la coreógrafa Sarah Storer, directora artística…

La Compañía de Danza del Teatro Mayor estrenará sus dos nuevas obras

La Compañía de Danza del Teatro Mayor nació gracias al programa social Alma en Movimiento. cuenta con la dirección artista de la coreógrafa británica Sarah Stoter y está integrada por ocho bailarines y dos aprendices.

El 1 de diciembre en el Teatro Mayor estrenará sus obras Lilith: el despertar, de la coreógrafa Sarah Storer, directora artística de la compañía, y Retorno, de Yovanny Martinez. La presentación presencial se complementa con una presencia virtual: ambas piezas se transmitirán del 10 al 17 de diciembre en la plataforma Teatro Digital. Además, el 11 y el 12 de diciembre, se transmitirá en el canal de YouTube del Teatro Mayor la pieza de videodanza Ímpeto, una coproducción con Monarca Producciones y Nicolás García Ruíz.

Pese a los meses de aislamiento que generó la pandemia del coronavirus (Covid-19), la Compañía no detuvo sus procesos de creación artística y este último mes del año tendrá varios estrenos, comenzando con su primera función con público en el escenario del Teatro Mayor.

Lilith: el despertar Lilith es una reimaginación de la obra de repertorio El sueño de Lilith. En esta nueva composición, cuya atmósfera es más oscura e íntima, está influenciada por el mito de Lilith, la primera esposa de Adán, quien se rebeló en contra de la opresión y fue desterrada del paraíso por desear igualdad.

Por su parte, Retorno tuvo como punto de referencia el cuento Viaje a la semilla, del cubano Alejo Carpentier. A partir de ese punto de partida se forjó una pieza que refleja los trágicos acontecimientos recientes en la historia sociopolítica colombiana.

Las boletas para esta presentación, que cuestan $10.000 y $20.000, se pueden adquirir en los sitios web del Teatro Mayor y de TuBoleta, la nueva tiquetera del Teatro Mayor.

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¿Puede The Beatles ser considerada una “boy band”?

Por estos días, la banda de K-Pop BTS rompió un récord: se convirtió en el grupo en tener más rápidamente 5 álbumes en el número uno de Billboard. Solo una banda había logrado antes esta proeza: The Beatles.BTS ha sido llamado muchas veces The Beatles del siglo XXI, por el fervor que genera entre sus…

¿Puede The Beatles ser considerada una “boy band”?

Por estos días, la banda de K-Pop BTS rompió un récord: se convirtió en el grupo en tener más rápidamente 5 álbumes en el número uno de Billboard. Solo una banda había logrado antes esta proeza: The Beatles.

BTS ha sido llamado muchas veces The Beatles del siglo XXI, por el fervor que genera entre sus fans. Cuando a Park Jimin, integrante de BTS le preguntaron qué opinaba de la comparación, dijo que se sentía elogiado, pero no le gustan mucho las comparaciones: “Yo quiero permanecer como BTS del siglo 21, esto me hace reflexionar y creo que deberíamos trabajar más duro como agrupación. De alguna manera, todo esto se ha convertido en una gran motivación para mí”.

10 cifras para entender el fenómeno BTS.

El propio Paul Mc Cartney, integrante de The Beatles, se ha referido al fenómeno. “Para mí no es realmente la música como lo es para sus fans. Para mí, es como ver a algunos niños pasar por lo que nosotros (BTS) pasamos. BTS, los jóvenes coreanos, me gusta verlos. Creo que son buenos, ¿sabes? No puedo cantar alguna de sus canciones, pero me gustan”, declaró el músico en el podcast Smartless.

¿Puede The Beatles ser considerada una boy band? Hay quienes se refieren al cuarteto de Liverpool como la primera boy band de la historia. Otros sienten que el término boy band es peyorativo y de ninguna manera podría incluir a una de las bandas más importantes de todos los tiempos.

Aunque hoy sea considerada una de las bandas más relevantes de toda la historia, no siempre fue así y en sus comienzos el grupo fue subestimado porque su base de fans de componía principalmente de niñas y mujeres.

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“Adolescentes, disfruten su Beatlemania. No será fatal y en unos años les dará risa cuando se encuentren con una foto de Ringo”, dice una reseña del grupo publicada en 1964. Otra reseña de Science Newsletter decía: “The Beatles sigue una línea de figuras glamourosas que despertaban llantos apasionados y desmayos profundos. En los 40 la más prominente era Frank Sinatra y en los 50 Elvis Presley. Su gloria pasó cuando se hicieron muy viejos para ser ídolos adolescentes o cuando las adolescentes se hicieron muy viejas para necesitarlos”.

“Creo que en sus inicios tienen que haber sido considerados una boyband. Creo que la mayor calificación para una boyband es la forma en la que es recibida entre sus fans y los Beatles esencialmente crearon la plantilla para los gritos del público, debates sobre el integrante favorito, y el sufijo “manía””, dice en Billboard el periodista Andrew Unterberger.

The Beatles también trajo un elemento que pocos grupos habían traído antes: el de brindar a las fans la posibilidad de disfrutar el conjunto y al mismo tiempo, tener un integrante favorito e identificarse con él. Esta es otra característica clave de las boybands hoy.


Si The Beatles fue un fenómeno pop, con millones de fans jóvenes y cada una idolatrando a uno de sus integrantes, ¿Por qué no suele ser incluida dentro de la categoría de boy band? Porque muchos consideran que la palabra “boy band” solo debería usarse para hablar de grupos diseñados con un interéa netamente comercial. El problema no es entonces de The Beatles o de BTS, sino de la connotación negativa que alberga el término, con la que muchos fans del rock no se sienten identificados.

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Pero decir que The Beatles (por lo menos en sus comienzos) fue una boyband no es demeritar su talento o su importancia en la música. Es reconocer que fueron los primeros en crear un fenómeno que sigue vigente hoy, luego de varias décadas, como casi todas sus contribuciones a la música.

Aunque nacidos en eras totalmente diferentes, con motivaciones distintas y estilos musicales muy diversos, The Beatles y BTS comparten su capacidad de mover a millones de fieles fans en todo el mundo, algo que muy pocos grupos pueden darse el lujo de decir.

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Festival Internacional de Cine de Cali presenta ‘Cine para nuestro tiempo’

El Festival Internacional de Cine de Cali, FICCALI 2020 presentará las películas destacadas en los circuitos de festivales internacionales y lo mejor del cine nacional. El FICCALI 2020 tendrá una edición presencial y virtual.El festival inició el 26 de noviembre, con el documental Balada para niños muertos del director Jorge Navas, , que refresca la…

Festival Internacional de Cine de Cali presenta ‘Cine para nuestro tiempo’

El Festival Internacional de Cine de Cali, FICCALI 2020 presentará las películas destacadas en los circuitos de festivales internacionales y lo mejor del cine nacional. El FICCALI 2020 tendrá una edición presencial y virtual.

El festival inició el 26 de noviembre, con el documental Balada para niños muertos del director Jorge Navas, , que refresca la mirada sobre la obra del legendario Andrés Caicedo, el género gótico tropical y aquella generación que ha expandido los límites del universo cinematográfico caleño. Balada también es un sentido homenaje a ese gran grupo de vanguardia cultural que abrió espacios para historias en las esferas del cine y el arte internacional.

El público podrá disfrutar de un 45% de cintas dirigidas por mujeres, en respuesta al clamor de una industria incluyente y como prueba de ello, se destacan las obras: Las mil y una (Argentina/Alemania) dirigida por Clarisa Navas, Mi nombre es Baghdad (Brasil) con Caru Alves de Souza y Janis Rafa con la cinta Kala Azar (Grecia/Holanda); todas como ejemplo de esta apuesta que narra historias que más allá de buscar, afirman las identidades que sus personajes construyen a través de la fluidez sexual, de género, y de su relación con el cuerpo y sus entornos urbanos.

Por otra parte, se destaca la presencia de directoras colombianas con sus propuestas temáticas como Mercedes Gaviria con Como el cielo después de llover, Maritza Blanco con La pesca del atún blanco, Irene Vélez con Bajo Fuego y Victoria Solano con Sumercé. Así mismo, el FICCALI 2020 trae una muestra de 4 películas de cineastas colombianas contemporáneas que hacen una reflexión desde distintos ángulos sobre el tejido social que nos une: Interior de Camila Rodríguez, La defensa del dragón de Natalia Santa, Los días de la ballena de Catalina Arroyabe y Mañana a esta hora de Lina Rodríguez.

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En la franja de industria, la versión número doce del Festival trae el V Salón de Productores y Proyectos Cinematográficos y el VI Laboratorio de Guion, dos espacios para la formación y el fortalecimiento de 37 proyectos seleccionados previamente por convocatoria.

A través de sesiones formativas, los participantes del Salón de Productores y Proyectos Cinematográficos, provenientes del Valle del Cauca, Colombia e Iberoamérica, accederán a herramientas para la negociación, presentación de proyectos y mercadeo, con el objetivo de impulsar sus proyectos en el mercado audiovisual competitivo a nivel internacional. Así mismo, los participantes del Laboratorio de Guion contarán con encuentros grupales e individuales con tutores invitados para el fortalecimiento de sus proyectos de largometraje de ficción y documental, en la etapa de escritura de guion.

En la franja académica, el Festival presentará el Seminario de Investigación en Cine sobre perspectivas de cine femenino y su visibilidad actual tanto a nivel global como local, propiciando el encuentro entre realizadoras e investigadoras, con el ánimo de contribuir a la circulación e interpretación de películas y videos realizados por mujeres, así como del trabajo de críticos, investigadores y profesores enfocados en el tema. De igual manera, la programación académica contará con conversatorios, conversaciones sobre publicaciones que hablan del cine y ‘Think Tanks’ Debido al confinamiento por Covid- 19, para esta versión, el festival pretende tener un impulso de innovación digital, trayendo así una variada programación virtual de películas, de industria y académica, permitiendo entonces que las proyecciones lleguen a todos los hogares colombianos. Más info aquí.


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La Pestilencia no pierde la esperanza con ‘Hasta el amanecer’

La Pestilencia está estrenando canción: Hasta el amanecer. Esta canción es una invitación a sacudirse los prejuicios, a tratar de reventar la burbuja creada por esos alienantes de la sociedad, esa misma que estigmatiza e impone conductas, reprimiendo realmente la vida real del ser humano.La canción introduce a una agitación corporal desenfrenada, espontánea y explosiva.…

La Pestilencia no pierde la esperanza con ‘Hasta el amanecer’

La Pestilencia está estrenando canción: Hasta el amanecer. Esta canción es una invitación a sacudirse los prejuicios, a tratar de reventar la burbuja creada por esos alienantes de la sociedad, esa misma que estigmatiza e impone conductas, reprimiendo realmente la vida real del ser humano.

La canción introduce a una agitación corporal desenfrenada, espontánea y explosiva. Al final llega ese abrazo al amanecer, ese abrazo anhelado que no promete nada, pero que ayuda a seguir adelante.

El videoclip de esta canción es la primera pieza animada de la banda, que resume decenas de letras de los 30 años de carrera de La Pestilencia, recopila perfectamente lo que la banda piensa, lo que ha dicho y lo que sigue diciendo en su discurso.

Hablamos con Dilson Díaz sobre el significado de la canción y con Santiago Oliveros, mejor conocido como SakoAsko, quien hizo las ilustraciones para el video de Hasta el amanecer, que puedes ver a continuación.

¿Cuál es la inspiración de esta canción?

Dilson: Cuando empecé a componer y a escribir la letra de Hasta el amanecer pensé en la situación que atravesamos como sociedad colombiana, que es bastante difícil. Como que no vemos un cambio donde haya más esperanza. También pensé en la lejanía de la familia, pensé en un abrazo con el que mi madre me diga: las cosas están mal, pero vamos a salir adelante.

Por eso digo “hasta el amanecer donde solo oí tu voz, tuve miedo a crecer pero no perdí la fe”. Es porque de alguna manera ese momento de ese abrazo es importante para todos. Sea el abrazo de un amigo, de un hermano, de la madre, del esposo. Es importante porque nos recarga y pese a que todo es muy difícil y cada vez vemos las cosas más complicadas, en algún momento habrá una salida.

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Este es el primer video animado de La Pestilencia. ¿Cómo es ese proceso de traducir la música en imágenes?

Santiago: La música siempre me ha acompañado, incluso la música de la Pestilencia. Cuando me llamaron para hacer el video de “la peste” me emocioné mucho. Es muy bonito ver cómo la imagen se puede alimentar de la música y cuando yo trabajo con música me sumerjo en la canción porque es importante entender el carácter y el espíritu del sonido para traducirlo a imagen y que la gente entienda el arte.

Convertirlo en una experiencia que sea coherente con lo que quiere expresar la banda.

Dilson: el desarrollo con la banda fue bacano porque cuando Santiago me comienza a compartir ideas para el video me doy cuenta de que conoce mucho a la banda y de que incluyó muchos elementos que tienen que ver con la historia de la banda.

Santiago: Al conocer la banda de alguna manera siento que yo entiendo a Dilson porque llevo años escuchando su música y puedo estar en su misma sincronía. Eso es muy importante al momento de hacer piezas para música, estar empapado del género, del grupo, conocer de qué se trata.

¿Cómo el video potencia el mensaje de Hasta el amanecer?

Dilson: El video muestra ese conflicto interno que tenemos todos desde la niñez, esos paradigmas sociales que siempre nos van a meter y seguiremos teniendo toda la vida. El video es eso, la lucha del niño contra la invasión de todas las cosas. Me pareció muy bacano que se conceptualiza con un niño y todo su proceso.

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Santiago desarrolla toda la vida de él, incluso al final el niño muere o se transforma, una gran transformación que lo convierte en el punkero, en el chulo en la moto listo para enfrentarse al mundo. Santiago le dio una buena interpretación a todo el caos interno de información que tiene el niño.

Santiago: Esa era la idea. La canción de por sí está muy buena, me gusta mucho la letra y sobretodo una parte que dice «Ya no repetir es mi único remedio» y esa frase la sentí en el corazón. De alguna forma el video está dedicado a las personas que están luchando por salir de un patrón, hacia eso está orientado.

Entonces por un lado tuve la oportunidad de interpretar la canción a mi gusto, y eso cuando tu llegas a hacer una pieza de este tipo es invaluable porque puedes proponerle al artista toda una visión y que yo no quería que el video fuera solo la banda animada tocando, sino que nos contara toda una historia, que fuera una pieza conceptual para que la gente se sentara a verla.

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